viernes, 15 de abril de 2016

TEATRO / "Sólo son mujeres" de Carmen Domingo, dirección Carme Portaceli / Coreografía Sol Picó / Música Maika Makovski


De Carmen Domingo
En el teatro de la abadía Hasta el 17 de abril

“Solo son  mujeres” Dirección Carme Portaceli

REPARTO
Miriam Iscla
Sol Picó
Carmen Conesa
FICHA ARTÍSTICA
Espacio escénico Paco Azorín
Coreografía
 Sol Picó
Música original
 Maika Makovski
Vestuario
 Antonio Belart
Diseño de iluminación
 Miguel Muñoz
Diseño de sonido
 Efrén Bellostes
Realización de audiovisuales
 Lala Gomà
Caracterización
 Toni Santos
Fotografía cartel
 David Ruano y Paco Amate
Diseño gráfico
 Pedro Chamizo
Espectáculo
 Albert Armengol
Jefe técnico/Ayudante de escenografía
 Adriá Pinar
Ayudante de dirección
 Judith Pujol
Ayudante de vestuario
 Carlota Ricart
Edición y post-­
producción de audiovisuales Lucía Albano
Realización de vídeos promocionales
 Arnau Oriol
Jefe de producción
 Roger B. Sardà
Producción 
FEI
Con el soporte de 
ICEC e ICUB
Confección de vestuario  
Taller de Goretti



         La guerra y la barbarie

         Carmen Domingo escribió un texto homenajeando a todas las mujeres que fueron asesinadas en la Guerra Civil. Sólo por ser mujeres, porque no tenían ni siquiera el derecho a ser consideradas presas políticas. Porque no podían votar, porque las mujeres parecía que no eran ‘útiles’ para la sociedad. Por favor. Las mujeres son madres y muchas más cosas. Esa guerra mostró la barbarie de una sociedad. Un texto duro, incisivo, lleno de fuerza, de afirmación, de canto, de lucha por la supervivencia. Un texto necesario, recordar a quiénes se les ha ninguneado en la historia o se les ha pasado de largo. Este texto es un digno homenaje a esas mujeres que se defendieron, que pelearon por ser. El texto de Domingo dirigido por Carme Portaceli, combina lenguajes de una manera sorprendente. Buscando ese diálogo perfecto entre imagen, texto, música y movimiento.

La música de Maika Makovski, que no participa en su puesta en acción en el Teatro de la Abadía por compromisos artísticos, es interpretada en directo a la perfección por una Carmen Conesa certera al piano, o rasgando la eléctrica, toda ella pletórica, exhibiendo una voz rica en matices.

Sol Picó también se funde con ese sufrimiento y lo hace acción, movimiento. Idea esas coreografías que exhiben la angustia, el frenesí, la ansiedad, y toda esa tensión que desborda. Que se hace aguas. Y que se hace tierra, toca el suelo. Desgraciadamente en estos últimos días en cartel en La Abadía, hasta el domingo 17, Xaro Campo sustituye a Sol Picó que ha tenido una lesión.


Y Miriam Iscla está soberbia, refleja todos esos estados, desde la desesperación, hasta la desolación, la rabia y la afirmación. La injusticia planea por toda la obra, y la barbarie, la humanidad convertida en miseria y en crueldad, la pérdida del norte, del rumbo, del ser, del sentido de las cosas. Miriam cambia de registros con una pasmosa rapidez.


‘Sólo son mujeres’ duele, por ese exterminio selectivo que no tiene explicación posible, porque contiene la podredumbre del ser en todo su esplendor. Duele, pero es un dolor necesario, un homenaje a quiénes luchan por la libertad, y no callan. Un recuerdo a esas personas, esas mujeres, que se manifestaron, pese a ser borradas del mapa. Dar voz a quién le fue negada la palabra. Desborda y emociona por todos los costados. Y transmite la idea de libertad, de no ceder ante la extorsión, el miedo y la injusticia, a darlo todo por la vida. ‘Sólo son mujeres’ es fusión de lenguajes escénicos en todo su esplendor. 



martes, 12 de abril de 2016

CINE / CRÍTICA 'Ave César' Ethan y Joel Coen... 'La Fábrica de Sueños'



Título original: Hail, Caesar! (Ave César)
Año: 2016
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Directores: Joel CoenEthan Coen
Guión: Joel Coen, Ethan Coen
Música: Carter Burwell
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: Josh BrolinGeorge ClooneyRalph FiennesTilda SwintonChanning Tatum, Scarlett JohanssonAlden EhrenreichFrances McDormandJonah Hill,Christopher LambertClancy BrownWayne KnightDolph LundgrenPatrick FischlerRobert PicardoDavid KrumholtzFisher StevensEmily BeechamFred Melamed
Productoras: Touchstone Pictures / Mike Zoss Productions
Género: Comedia


        LA FÁBRICA DE SUEÑOS

        Los Coen siempre tienen algo que sorprende. Tienen la clase y el estilo de los grandes directores y guionistas que se salen de los márgenes, de los que perfilan sus propias creaciones a golpe de talento y de romper moldes. Esos argumentos incisivos, con situaciones descacharrantes (El Gran Lebowski), con personajes salidos de la imaginación más surrealista. Tienen fuerza, tienen ingenio y sacan provecho de todo ese argumentario para construir historias sólidas, macabras, demoledoras, etcétera. Eligen estupendamente a su cuadro de actores, retoman temas clásicos (O’ Brother) para darles un toque actual y vigente. Pero en sus últimas películas han perdido fuelle.

        Con Ave César, los Coen sirven en bandeja un sonado homenaje al cine clásico, de los grandes estudios de los 50, 60 en Hollywood, en este caso Capitol Pictures, con la gran maquinaria del entretenimiento que desplegaba entonces el cine, entre películas western, musicales, etcétera.

       Pero han bajado la guardia en exceso, de lo más divertido del filme es el encuentro entre la bailarina de films de mambo y el vaquero silencioso, ágil en caballo pero no muy fino con el verso, para el estreno de la última película de éste. Ese director de los estudios que se ve presionado por todas partes, por sus socios de Nueva Tork, solucionador de todo tipo de ‘marrones’, presionado por una propuesta golosa de una compañía multinacional y así conciliar su vida familiar (casi inexistente). El papel lo encarna Josh Brolin, que lo borda.

         Vemos todos los entresijos del cine, los rodajes, los estudios, los juegos sucios de las periodistas encargadas de los chismorreos, de la sección de Gente de Hollywood, hasta las conspiraciones de movimientos de izquierdas que aleccionan al actor de éxito.


      No deja de haber algo de surrealismo divertido, pero el retrato queda descafeinado, le falta empaque y sustrato. En el reparto hay de todo: Scarlett Johansson no sobresale, George Clooney si que encarna un papel que prolonga sus registros, o Ralph Fiennes ejerciendo de director de cine con cierto aire esnob y de película de clase alta, al igual que el pequeño papel de Susan Sarandon que siempre encandila. Ave César divierte por momentos, te despierta alguna carcajada, hace repaso de la historia, refleja esas grandes superproducciones de época de los romanos o de vaqueros, o musicales, o dramas de sociedad, pero no consigue llegar a mayo meta. Esperemos que los Coen vuelen más alto la próxima vez.


CINE / CRÍTICA 'LA LEY DEL MERCADO' de Stéphane Brizé..... 'Sobrevivir al abismo'






Título original: La loi du marché (La Ley del Mercado)
Año: 2015
Duración: 92 min
País: Francia
Director: Stéphane Brizé
Guión: Stéphane Brizé, Olivier Gorce
Fotografía: Eric Dumont
Productoras: Arte France Cinéma / Nord-Ouest Productions
Género : Drama /Cine Social

          SOBREVIVIR AL ABISMO

Me gustan las carreteras secundarias, porque en ellas descubres la esencia de los lugares y de los paisajes. No son tan rápidas, a veces están desiertas, pero te haces con la idea de los parajes que transitas, te empapas del ambiente. Y lo mismo me pasa con muchas películas secundarias, que quedan relegadas a un segundo plano (o tercero), que sin demasiado trasiego, ni fuegos de artificio, ni grandes campañas de impacto o de publicidad, captan la esencia de temas relevantes, ofrecen retratos singulares, personalizados, de cuestiones que han tocado a muchos hombres y que han sido una lacra,-otros lo llaman crisis, pero ha sido el hundimiento de un barco-, sin grandes pretensiones más que la de mostrar la realidad que nos rodea, desde un caso particular. Ni más ni menos.

En ‘La Ley del Mercado’, todo ocurre en un plano pero por debajo transita un silencio sepulcral, de esos que duelen, que llevan carga, que llevan el peso de la vida, y sufrimiento, mucho sufrimiento. Los personajes nos desvelan universos particulares, a veces develados o conocidos en parte, pero no todos sus entresijos. No se crean que todo es dolor y penurias. También hay amor de pareja, amor fraternal por el hijo, hay baile, hay compañerismo. Pero vemos como de pronto la vida puede desintegrarse y tocarte lo más íntimo, y romperte. La sinceridad con la que Thierry (interpretado magistralmente por Vincent Lindon, que ganó la palma de Cannes al mejor actor) habla con los responsables del INEM. La dureza a la hora de aceptar que te has quedado atrás en ciertos conocimientos prácticos que te permitirían estar actualizado y al día, y así seguir contratado. Pese a las dificultades Thierry no se rinde, decide soltar la rabia y olvidar, no cede ante la necesidad, acaba en un empleo que no va con él. Pero no se vende.

 Y nos adentramos en esa psicología como quien se adentra en un bosque o en una jungla desconocida. En esa manera de rodar muy en la manera de los hermanos Dardenne o del Laurent Cantet de ‘Recursos Humanos’, muy encima del personaje, sintiendo el aliento del personaje, su respirar, su sentir, pero también captando el entorno. Con ese modo incidental y natural al estilo Dogma. Y es ahí donde el director de cine Stéphane Brizé encuentra un gran aliado, su actor Vincent Lindon. Que borda una interpretación repleta de cuestionamientos, de hechos que buscan tu quiebre o que te ponen a prueba ante el hundimiento. Películas que demuestran el poder de la asertividad, de la dignidad. Y no sucumbir ante el desastre. Cine social que construye desde las experiencias duras, esas que nos hacen avanzar y edificar un entorno mejor, pese a crisis y a desastres universales.





jueves, 18 de febrero de 2016

FOTOGRAFÍA / MÚSICA / JAZZ Entrevista a la fotógrafa Esther Cidoncha



Esther Cidoncha en acción.




Portada del libro de fotografías de Esther Cidoncha publicado por La Fábrica en 2014.



 


El pasado mes de noviembre de 2015 la revista El Duende de Madrid publicó El libro Blanco y Negro del Jazz (podéis leer en issu el número aquí). Contribuí con tres textos. De los cuáles dos entrevistas con el saxofonista Ariel Brínguez y la fotógrafa Esther Cidoncha. Coincidiendo con la exposición de Esther Cidoncha en el Jazz Bar del Hotel AC Recoletos, inaugurada el pasado viernes 5 de febero, publico la entrevista entera, y la acompaño de sus excelentes fotos.



El Hotel AC Recoletos (consultar en su Facebook la programación) tiene una excelente programación de conciertos de jazz, todos los jueves del mes a las 21 horas y alguna fecha especial. Otro lugar de Madrid donde el jazz sigue más vivo que nunca.


Tu vida respira jazz, se nota cómo te llega y la sensibilidad con esta música en tus retratos e instantáneas. Pero, ¿Cuál fue tu primer soplo de jazz? ¿Cuándo apareció el jazz en tu vida? Y. ¿Por qué?
Y, ¿Cuándo llegó para quedarse?
Mis primeros negativos datan de 1989 fotografiando al mítico grupo legendario Modern Jazz Quartet, uno de los combos más influyentes en la historia del jazz moderno. Los vi en Valencia y durante la década de los años noventa prácticamente la mayoría de mis fotografía se han hecho allí, junto con el Festival de jazz de San Sebastián y el Festival Jazz Aux Remparts en Bayonne. Pero a mí el jazz me gustó mucho antes, escuchando en casa de un amigo discos de los grandes maestros como Art Blakey, Charlie Parker, Miles Davis o Coleman Hawkins. En seguida me gustó esta música a veces extraña y difícil pero también sugestiva y evocadora. Llegó directamente y me atravesó como un rayo.

El jazz se mueve mucho en la improvisación, en las jam sessions ¿La fotografía se improvisa?
En efecto, si la fotografía es de un concierto sí tiene una parte de improvisación. Al ir a un club de jazz nunca sabes lo que te vas a encontrar, cómo es el local, su escenario, cómo va a ser la iluminación, la colocación de los músicos, los altavoces cómo están situados, si hay atriles delante del instrumentista, los micrófonos, el público, todo ello hace que ciertamente haya una parte importante de improvisación. Es todo un riesgo, un desafío constante. A veces de ello puede salir una foto fabulosa. Hay misterio en ello porque cada concierto es muy diferente y de antemano el resultado no se puede prever. Es sorpresa y a la vez estímulo. Las mejores fotos nunca sabes cuándo van a surgir. Es una de las cosas que más me sorprende del jazz.

¿Cómo llevaste el cambio de la cámara analógica a la digital? ¿Qué echas en falta ahora? ¿Qué has ganado?
Danos algunas virtudes y defectos de una y otra.
En la década de los años noventa trabajé con una cámara reflex analógica muy pequeña, una Yashica. Y la verdad es que tenía una gran calidad, mucha profundidad de campo, gran gama de grises. Más que la cámara en sí intervienen otros factores como el revelado de las fotografías, la habitación oscura para el positivado, los diferentes líquidos y papeles a utilizar. El mundo digital ha entrado en otra dimensión facilitando el trabajo manual que debía ser perfecto y exquisito sin errores pues con el ordenador y las nuevas cámaras se puede corregir tantas veces uno quiera. Cada día hay más facilidades. Pero ojo y atención eso no quiere decir que las fotografías sean mejores ni mucho menos, sino que hay más facilidades para disparar cientos de fotos y luego poder trabajar con ellas. Pero sin olvidar que siempre el fotógrafo, el ser humano está por encima de las máquinas. Y es su talento y su experiencia su genialidad lo único que cuenta. Mantener la calma y tener intuición es importante y decisivo en esta época digital porque es muy fácil disparar en un breve espacio de tiempo un sinfín de fotografías. Hay que saber lo que uno quiere hacer con la cámara, es un utensilio al servicio de un objetivo. Tener un criterio buscando la excelencia del momento. En el fondo es lo mismo una cámara u otra. Lógicamente en el jazz cuánta más sensibilidad tenga a la luz mejor ya que se desarrolla en ambientes y atmósferas de luz muy tenue.

¿Cómo apareció la fotografía en tu vida? ¿Quiénes ha sido tus maestros, tus modelos, tus fotógrafos ejemplares?
Sin duda estoy influenciada no sólo por los grandes fotógrafos de jazz como Herman Leonard, William Claxton, Francis Wolff o Lee Friedlander entre otros; sino también de los grandes maestros de la fotografía como Henri Cartier-Bresson, André Kertész, Walker Evans, Harry Callahan, Bill Brant o Rodchenko entre otros. Siempre me ha gustado hojear catálogos de fotografía. Supongo que la fotografía apareció de esta forma en mi vida queriendo imitar a los fotógrafos que admiro. Y sobre todo me enamoré de las portadas del sello discográfico Blue Note, no me cansaba de mirarlas una y otra vez, con diseño del gran Reid Miles y fotografías de Francis Wolff. Las imágenes del clásico fotógrafo de jazz Herman Leonard que retrató la época dorada del jazz años 40 y 50 en Nueva York fueron fundamentales para que me decidiera por probar suerte en esta afición.
  
Has sido bailarina de clásico y contemporáneo ¿Te encanta captar el movimiento?
Sí, lo hago hasta sin darme cuenta. No sólo me gusta el movimiento, también me interesan otros conceptos dentro del mundo de la danza como es la coreografía, la colocación de elementos (trasladado al jazz sería: músicos, instrumentos, micrófonos, atriles, partituras, focos, cortinas), las composiciones, el espacio, la iluminación y lo dramático que encierra un escenario, me estimula profundamente.




A pesar de qué el tiempo es inaprensible. Pasa fulminante. No se queda. Queda el momento ¿Qué me dices del tiempo?
En la fotografía de jazz de escenario el instante es decisivo, como diría Cartier-Bresson. El objetivo tiene la gran habilidad de retratar el tiempo, el instante que nunca más volverá a ser. Es el arte que más tiene que ver con el concepto Tiempo. Su gran habilidad para captar una milésima de segundo hacen de la fotografía algo único. Esa capacidad de retratar al músico en plena inspiración, en una improvisación en la que el tiempo es fundamental hacen que el jazz y la fotografía tengan mucho en común.

¿Te consideras una fotógrafa de momentos y de esencias?
Todo buen fotógrafo que busque la excelencia debe captar la esencia de ese momento que trata de retratar. Sea el tipo de fotografía que sea. En el jazz es lo mismo. Para ello hay que aprovechar todos los elementos al alcance como interiores de camerinos, pruebas de sonido, diferentes focos de iluminación, la variedad de instrumentos, partituras, atriles, micrófonos, escenarios desnudos o justo lo opuesto un club con mucha gente y ambiente. También es muy importante la complicidad del músico y su generosidad hacia el fotógrafo. Su personalidad influye mucho en una buena foto, cómo gestualiza, cómo se mueve, o viste, si es extravagante, fotogénico, su sonrisa o su seriedad e introspección. Son muchos los elementos que ayudan a captar la esencia para ello hay que tener intuición y una gran concentración. Incluso en ocasiones se te puede llegar a pasar desapercibida la música que están tocando debido a que tu atención está puesta al cien por cien en el objetivo. No siempre se puede hacer dos cosas a la vez, fotografiar al músico y escuchar su música a veces es complicado. Conozco a fotógrafos que dejan de fotografiar para escuchar lo que tocan.

La danza juega también con el espacio y el equilibrio-desequilibrio, quizás no tan evidentes en la música, y más concretamente en el jazz ¿Esas variables las introduces en tu fotografía?
 Sí, de una u otra forma me gusta mirar a través del objetivo y encuadrar de tal manera que parece una composición dancística en ocasiones, jugando con conceptos muy próximos a la danza. El jazz también tiene su ‘espacio’ entendido como ‘tiempo’, sus silencios y sus notas rápidas y en ello hay desequilibrios y equilibrios. En la composición del encuadre fotográfico pasa lo mismo. Hay paralelismo.

¿Por qué jazz y fotografía, y no jazz y danza?
Porque el mundo del jazz, sus músicos y entorno, su atmósfera misteriosa y mágica, a la vez más cercana, atrajeron mucho más a mi cámara. Además es más fácil ir a un concierto de jazz en un club que a un concierto de danza en un teatro. Los clubes de jazz funcionan todas las noches. Están más al alcance de un fotógrafo que los conciertos de danza. La danza parece que se está quedando incluida o recluida en festivales. Mientras que el jazz tiene más opciones de ser fotografiado. Se vive y se respira otro ambiente muy distinto. Me quedo con el jazz para fotografiarlo y con la danza para verla y disfrutarla.

¿Tu fotografía es pretendidamente psicologicista? Capta la psicología del músico. Sus rincones del alma, sus lados más sinceros y más honestos.
Me seduce captar el otro lado de ‘un instrumentista tocando’. Hay que buscar y rascar más allá de todo ello. No se trata de captar el ‘objeto’. Sino de profundizar y ver qué está pasando en el proceso interno del músico cuando improvisa a una velocidad endiablada, o cuando en silencio escucha a sus compañeros, o en un relax sé que el músico está pensando en música, en notas complicadas, ritmos, juegos internos suyos. Me interesa ir más allá de la mera documentación neutra y objetiva de ese momento. Mi atención está puesta en captar la esencia de ese instante.




Dentro del jazz, clubes de jazz, músicos, etcétera… ¿Notas mucha diferencia entre Estados Unidos y Europa?
¿Cómo ves la escena de jazz española?
Sí que noto diferencia porque Nueva York es la ciudad por excelencia del jazz, se vive por todas partes, se escucha en todos los rincones, es una música muy cercana a ellos, a pie de calle, forma parte de su historia, es su música. En una sola noche puedes elegir entre más de 160 clubes de jazz! Increíble, no te parece? Aunque el jazz nació en Nueva Orleans y pronto viajó a Chicago fue en Harlem donde creció y se desarrolló plenamente. Fueron los mismos músicos los que viajaron desde Nueva Orleans, pasaron por Chicago y se establecieron en Nueva York. Dicho de una manera increíblemente resumida evidentemente. Fue en los clubes de Nueva York donde nació el be bop y todas las posteriores corrientes. También en Chicago, California, Detroit… hay jazz. En fin, en muchas ciudades de EEUU.
Europa tiene un jazz más que interesante y una enormidad de clubes de jazz a día de hoy. Ciudades como Londres, Berlín, Copenhague, París, Roma, Madrid, Barcelona, por nombrar unas cuantas, están muy vivas. En concreto en nuestro país hay grandísimos músicos de jazz. Aún así solo hay que ir a Nueva York para ver la diferencia que es muy evidente.

¿Qué ha cambiado en la manera de disparar una foto en Esther Cidoncha desde 1990? ¿Quién es Esther Cidoncha ahora en 2015?
Supongo que he evolucionado y me he ido adaptando a las diferentes circunstancias. Estamos hablando de muchos años no hay que olvidar que el jazz ha cambiado enormemente y también su estética, sus formas, los clubes, el público, los propios músicos, todo ello influye en mis fotografías. Personalmente me sigo tomando el jazz como un placer que hay que saborear a pequeños sorbitos, es decir, no me harto a conciertos ni me doy prisa por sacar rápidamente las fotografías a las redes de internet, todo lo contrario, me lo tomo con muchísima calma. Así he sido siempre y creo que es un buen secreto para seguir al pie de escena.

‘When Lights Are Low’ es el testimonio de tu trabajo durante 25 años ¿Cuál era la idea o el hilo central del libro?
Es un homenaje a los músicos de jazz a través de un recorrido de 25 años por diferentes clubes y escenarios de distintos países. Mostrar un trabajo donde la selección de las 180 fotografías fue dura. Ya que tuve que descartar a muchísimos músicos, escenarios, festivales, viajes, largas tardes en espera a que acudieran los músicos a las pruebas de sonido, mil horas preparando las fotografías en un cuarto oscuro o frente a una silenciosa habitación con mi ordenador sentada delante de una gran pantalla. Acudiendo por las noches a clubes de jazz sin saber qué va a pasar con la iluminación, con las posibilidades de cada concierto. Tengo un enorme archivo y no descarto publicar otro volumen. Te diré que no solo hay miles de negativos detrás de este volumen sino también miles de horas en solitario.




¿Por qué elegiste ese título? ¿Por Benny Carter y Spencer Williams o fue un guiño/homenaje a Miles Davis?
Lo decidí por el gran compositor y saxofonista Benny Carter a quién fotografié en 1994. Un amigo que es experto en jazz en su blog me dedicó una entrada y eligió este estándar como título para mostrar mi obra. Si finalmente hiciera otro libro decidiré un título mucho más corto incluyendo la palabra Jazz en grande por cuestiones gráficas.

¿Elegiste a Wadada Leo Smith, Antonio Muñoz Molina, Chema García Martínez y José María Díaz-Maroto para que escribieran los textos?
Sí, los elegí y decidí yo misma poniéndome en contacto con todos ellos. Menos con Wadada Leo Smith que se hizo a través de Chema García Martínez. Tuve la gran suerte de que accedieron todos.

¿Buscas los retratos más directos? ¿Evitas los posados forzados? ¿Buscas el momento libre siempre?
En efecto, así es. Veo que te has fijado mucho en mis fotografías. Me parece fundamental que sean instantáneas del propio músico en su ambiente es como me siento cómoda a la hora de retratarlos. La fotografía de estudio no me convence trata de imitar la realidad forzando al músico a sentirse natural y libre. En mi caso soy yo la que se desplaza a su verdadero entorno que son los clubes de jazz.

El fotógrafo debe pasar desapercibido y estar atento al detalle, al momento preciso ¿Qué valoras más de un fotógrafo de jazz? ¿Qué debe tener como principios fundamentales un fotógrafo de jazz?
Es fundamental ser amante del jazz. Discreto a la hora de disparar en un club, cómplice y respetuoso con los músicos y con el público.

Has viajado a lo largo de muchos lugares clave del jazz ¿Cuál es tu lugar predilecto?
Sin duda Nueva York. Es incomparable, a años luz de cualquier otra ciudad en cuestiones de jazz. Por su número de clubes, músicos, propuestas, tipos de locales, espacios. Tienes donde elegir una infinidad de clubes desde los más sofisticados hasta los más informales y originales. Es una ciudad muy viva que transmite talento, vitalidad y optimismo. Y su historia no se queda corta. Los más grandes del jazz han tocado todos en Nueva York. Es brutal.

El jazz para ti es…. es una fuerza de inspiración constante.
Disco favorito: hay un disco que me gusta mucho se llama Money Jungle. Una rara avis con Duke Ellington, Max Roach y Charles Mingus. Es inspirador y a la vez está lleno de belleza en todas sus composiciones.
Tienes una canción favorita…
Hablando de este disco un tema  llamado Fleurette Africaine. Siempre que lo escucho me conmueve.



¿Qué músico te ha mostrado su cara más sorprendente?
Barry Harris, siempre generoso con los fotógrafos. Es muy expresivo y gestual. Es dicharachero y le gusta jugar delante del objetivo.

Increíble la foto de Randy Weston, Ran Blake, Billy Harper, o la gracia y chispa de Tineke Postma, la concentración de Henry Threadgill, la mística de Hamid Drake o la atención de Yusef Lateef, la mirada desafiante de David Murray. La sonrisa guasona de Al Grey. ¿Tienes algunas fotos predilectas?
Todas las fotografías que incluyo en mi primer libro When Lights Are Low son mis preferidas, mis elegidas. Sin duda. Si me dijeras que eligiera una sola fotografía a lo mejor me quedaría con una instantánea que le hice a Nicholas Payton & Jazz Futures II: Herb Harris, Brian Blade y Chris Thomas. En el Festival de jazz de San Sebastián en 1992. Es una imagen misteriosa no se sabe bien lo que está pasando ni siquiera si son músicos. Era de noche y estábamos en la explanada del Ayuntamiento de San Sebastián cerca de unos arcos. Nicholas Payton y su grupo esperaba tranquilo su turno para salir al escenario mientras tocaba el gran pianista Hank Jones, el cual no sale en la fotografía. Algunos de estos músicos están en sombra y solo se percibe su silueta en negro. El trompetista Nicholas, que es el único que espera sentado, está sonriendo y encantado viendo el concierto. Hay luces y sombras que provienen del escenario. Ellos ni siquiera se dieron cuenta que yo les estaba fotografiando. Y de este momento saqué varias imágenes todas muy bonitas.

¿Por qué has elegido el Blanco y Negro?
Empecé en blanco y negro en la época analógica porque yo misma revelaba los carretes y luego positivaba las fotografías a papel en un laboratorio improvisado para la ocasión dentro de mi propia casa. Así manejaba todo el proceso fotográfico por completo. Años después con la fotografía digital he tenido un montón de dudas pero he decidido realizarlas en blanco y negro como resultado reflexivo. Pienso que hay una evidente afinidad entre fotografía en blanco y negro y jazz. Ambos son espontáneos, captan emociones y experiencias en un breve instante. A mi entender, la fotografía de ensayos o de un concierto no necesita colorido, el blanco y negro por sí solo se basta. Así mismo el jazz lo veo de este modo sobrio y sin aderezos, habla de emociones vitales. Si la improvisación ocurre en cada instante, la fotografía capta ese instante.

¿Hacia dónde quieres ir ahora como fotógrafa?

La verdad es que vivo el presente como siempre lo he hecho, sin pensar en un camino a seguir. Sigo leyendo y estudiando fotografía, hojeando catálogos, yendo a exposiciones, escuchando jazz. Todo ello con tranquilidad. De momento este fin de semana voy a dos conciertos de jazz.

miércoles, 17 de febrero de 2016

CINE / CRÍTICA 'La Juventud' (Youth / La Giovinezza) de Paolo Sorrentino & 'Mia Madre' de Nanni Moretti



LA JUVENTUD
(Youth, La Giovenezza, 2015)
Director: Paolo Sorrentino
Guión: Paolo Sorrentino
Reparto: Michael Caine, Harvey Keitel, Rachel Weisz, Paul Dano  Jane Fonda.
Fotografía: Luca Bigazzi
Música: David Lang
Duración: 118 minutos
Coproducción: Italia, Suiza, Francia y Reino Unido

       La leve decadencia burguesa

Por Andrés Castaño

Después de ‘La gran belleza’ Sorrentino había puesto el listón muy alto. Esa Roma tan majestuosa y esplendorosa, con ese poderío grandioso en su arquitectura histórica, ese guión tan hilarante, lleno de quiebros, giros y recovecos; y ese guiño al maestro Federico Fellini. Era difícil superar esto.

Por mucho que acuda a dos grandes actores como Michael Caine (está genial) y Harvey Keitel, que representan a dos amigos: Fred Ballinger, un antiguo compositor y director de orquesta ya jubilado; Mick, un director de cine planeando su última película, y a punto de retirarse. Ambos viven una tercera etapa vital, disfrutando de una vida de asueto, con todos sus privilegios, rememorando la vida, inquietos por la vejez y los cambios vitales. Todo transcurre en un balneario, u hotel de retiro o descanso en Suiza. Encuentros tiernos y ágiles diálogos, entre la autocompasión, la curiosidad, la mirada lejana, la hipocondría, el sueño aún pendiente, los desamores, el amor paterno filial, la levedad de la vida, los monstruos del pasado.




Actuaciones de música en directo en el jardín del hotel: espectacular Mark Kozelek. Excelente banda sonora en lo clásico (David Lang, Stravinsky, Debussy)  y en la elección de músicas populares (Mark Kozelek, Sun Kil Moon, Bill Callahan, David Byrne, Paloma Faith, The Retrosettes Sister Band, David Guetta y Sia!). Un papel secundario de Jane Fonda (como una diva) lleno de fuerza. La belleza y la vida ociosa en todo su esplendor, la vida bohemia y burguesa, la vida relajada. Todo es un gran oasis de un mundo alejado de lo cotidiano. De tanta vida exótica y despreocupada, de ese vivir con todo cubierto, con la tranquilidad que da no tener preocupaciones básicas.


Pero flota en toda la película la decepción, la resignación, la correlación entre vejez y utilidad, la pérdida del sentido en el mundo, el balance vital con sus castigos y las narraciones de derrotas y triunfos. Planea en el film esa levedad que parece disiparse, como si no quisiera ahondar o ir más lejos. Dejando sólo unos apuntes sobre ese contraste entre vejez y juventud. Sin querer elaborar ningún juicio, ni tirar de prejuicios, sin condicionar al espectador, pero llevándole a un lugar difuso, donde parece que todo es liviano, que transcurre en un lugar de privilegios y de caprichos, más que de historias vitales. Sí que emociona el momento en que el compositor habla de su obra Simple Songs y cuando menciona a su mujer, fallecida; o sus conversaciones con su hija o con un joven actor muy cínico. Pero falta estructura, Sorrentino es bueno en el ejercicio visual, en la fotografía, y ágil en los diálogos, pero se pierde en devaneos que parecen esnobismos puros y duros.



La crítica ha elogiado ‘La Juventud': la película ha ganado muchos apoyos y tiene sus méritos, pero se desinfla, porque falta algo que la sustente. Hay intenciones, hay elementos, pero no concretan, no se dirigen sino que a un mero ejercicio de fascinación y vacuidad. El envoltorio es hermoso (música, imagen, planos, localizaciones...) pero Sorrentino se entretiene con florituras, con fotogramas hermosos, con músicas hechizantes, con cuerpos esbeltos, con una naturaleza fascinante. Pero el todo se resiente, porque le falta un rumbo, un sentido.

Sorrentino cae en ciertos mimetismos que también le han ocurrido a Wes Anderson con su ‘Gran Hotel Budapest’. Quedarse en un limbo, muy moderno, y bien barnizado con color, sí, pero donde falta más sustancia. Y es una pena porque tiene capacidad para ir aún más allá.










MIA MADRE
Año: 2015
Duración: 102 min.
País: Italia
Director: Nanni Moretti
Guión: Nanni Moretti, Francesco Piccolo, Valia Santella
Fotografía: Arnaldo Catinari
Reparto: Margherita Buy, Nanni Moretti, John Turturro, Giulia Lazzarini
Productora: Coproducción Italia-Francia-Alemania; Sacher Film / Fandango / Le Pacte / Films Boutique
Género: Drama

* Aquí mi Entrevista a Nanni Moretti publicada por elasombrario.com


       El rastro del ser

         Por Andrés Castaño

Tras una serie de películas en las que transita por otros lares (El Caimán, 2006; y Habemus Papa, 2011) el director italiano Nanni Moretti ha vuelto al tema de la familia. Sin regodearse en el dolor y el sufrimiento, mostrando la vida en crudo. Y todo eso, sin olvidar su pasión: el cine, en una metareferencia, el rodaje de una película dentro de su película. Y lo ha hecho magistralmente. Mia Madre está a la altura argumental de La Habitación del Hijo, película con la que recibió la Palma de Oro en Cannes, allá en 2003.

Margherita Buy, una actriz muy Moretti, encarna a una realizadora que está en pleno rodaje de su última película, con una trama de corte sociopolítico, con un conflicto entre el propietario de una fábrica y los obreros, en dicha película  participa una estrella estadounidense, Barry Huggins, estupendamente interpretado por John Turturro. Y es que Turturro aporta el toque de comedia que necesita una película que transcurre por el sendero del ciclo de la vida.


La vida impone su pausa. La edad, la degeneración, el momento de revisar. Margherita ha vivido siempre su vida a un ritmo trepidante. Sin pararse en los pequeños detalles, que son los que hacen gravitar nuestra vida. Su madre Ada, enferma y empieza a tener una salud delicada. Giovanni es el hermano de Margherita, interpretado por el propio Moretti, quién si se percata de la necesidad de los cambios, de los ciclos. La enfermedad, el cuidado de alguien nos hace actuar sin pensar, pero al mismo tiempo genera esa conciencia de supervivencia, ese impulso vital, ese querer sanar al enfermo y de ahí sanarte a ti mismo.



La fotografía retrata un entorno cotidiano que no ‘mata’, no es una fotografía vistosa como en el caso de Sorrentino, pero se adecúa, se ajusta a lo que necesita la película: aquí lo esencial radica en la historia y en sus personajes, no en las localizaciones. Y se acerca a esas vidas que tienen ese punto vertiginoso, cuando el ciclo impone su siguiente fase.

Ada, la madre de Margherita y Giovanni, sorprende por ese trato cercano con su nieta, la hija de Margherita, y por esas visitas de exalumnos para los que fue como una madre. Es el reflejo de una generación de madres apasionadas, vitales, llenas de saber pero también de comprensión y empatía.

El elenco de actores está excepcionalmente caracterizado. Los silencios narrativos son remarcados por la fuerza del gesto, de los personajes, el entorno sólo bascula, no presiona. La vida a veces duele, porque el tránsito de la vida nos lleva a cumplir ese círculo, pero Moretti nos muestra la cantidad de matices que hay, a pesar del curso del ciclo. Y a pesar del miedo.


Mia Madre emociona y arraiga en el espectador, por el bonito diálogo de la vida con la muerte, del ser con la decadencia, del final de una etapa con el principio de otra. Con las situaciones rocambolescas y totalmente bizarras de una estrella de cine en plena decadencia de su carrera artística. Esa es la parte más cómica. Luego está la relación de Margherita con su hija y con el padre de su hija, su vida sentimental, cómo todo le afecta, como las cosas van colocándose en su sitio. Y en ese proceso hay un aprendizaje, hay un devenir que sin entrar en valoraciones, ejerce una perfecta charla con la vida, con la familia, con las pequeñas cosas, con las esenciales. Esas que nos hacen querer el uso del posesivo.